La Cadena de Grabación

Hola, os quiero comentar en que consiste el termino “cadena de grabación” y que elementos influyen en ella. Ultimamente he mezclado algunos temas grabados en estudios con equipo “Pro” ( presuponiendo una buena cadena de grabación ) y las pistas que he tenido que mezclar ,sugerían otros términos alejados del “Pro”.Las cadenas parecían de almas de la noche….

prueba2Llamamos cadena de audio a todos los procesos, etapas y caminos que trascurren en la señal de audio desde su origen, hasta su grabación. El origen ,es una emisión sonora mediante un instrumento, amplificador o voz, seguido de la captación mediante micrófonos, cables, previos, ecualizadores, compresores, convertidores AD, etc… y finalmente el soporte de grabación, ya sea digital o analógico.

La calidad de esta cadena, está ligada a los elementos o eslabones por los que pasa la señal de sonido. Como en toda cadena, su fuerza está representada por el eslabón más débil, siendo predominante sobre el más fuerte. Por ejemplo, si disponemos de un micrófono de gran calidad conectado a un previo de baja calidad, predomina la “calidad” del elemento más débil.

Ser consciente de la calidad de nuestra cadena de grabación  y que ésta sea lo más homogénea posible, es una  importante pauta a seguir, además de ser un buen consejo. Tener eslabones de gran calidad, mezclados con otros de dudosa calidad, es una forma poco práctica de sacarle partido sonoro y musical a nuestro equipo.

Un dato negativo a tener en cuenta en el orden de los eslabones que forman la calidad total de nuestro trabajo de grabación, es la falta de los tres primeros: 1º la música/canción,2º la interpretación y 3º las técnicas de grabación sonora.

guitarra tocando

Sobre la canción y la interpretación ya he escrito y desarrollado el tema en mi libro “Claves, Errores y Soluciones para mejorar nuestra Música”, entiendo que estos dos eslabones, (aunque importantes en la cadena) están un poco apartados de la calidad de los equipos, y cercanos a la calidad “humana”, una buena canción y una buena interpretación harán nuestra cadena mucho más fuerte en su inicio.

El tercer eslabón siempre debería ser el primero en nuestro estudio, el acierto en la eleccion de las técnicas de grabación sonora puede representar un eslabón sólido, normal o débil. La inclusión de este eslabón antes de los demás, en nuestro estudio, es debido a que tenemos que tenerla prevista antes de comenzar, aunque la técnica de grabación inicial y básica es la colocación de un micrófono para la captación sonora, veremos a través de” futuros tutoriales “,que la elección de la técnica de grabación tiene un peso mucho mayor que el resto de elementos.

Seguirán grabándose y editándose, discos grabados con una buena cadena de grabación, transmitiéndonos sonoridades “pobres”, por malas elecciones en las técnicas de grabación. Si un instrumento no suena “grande” en su origen, sera “misión imposible” hacerlo “grande”…..de donde no hay no se puede sacar.

Resumiendo:el concepto “técnicas de grabación” , son las técnicas “humanas” de cómo sacarle partido a todo el equipo del que disponemos,(no me atrevería a  decir ningún porcentaje). Según mi experiencia para un buen trabajo ,tenemos que tener este eslabón fuerte (saber que hacemos) y el resto también (el equipo con el que trabajamos).

Un buen equipo en malas manos, es igual que unas buenas manos con mal equipo (seguimos con eslabones débiles en nuestra cadena). La calidad del sonido y la calidad del técnico de sonido, no se cubren ni se solapan, se necesitan mutuamente, uno para dar “calidad de sonido” y otro para ofrecer “calidad musical”.

La diferencia entre “calidad de sonido”  y “calidad musical“es simple: los equipos ofrecen calidad de sonido objetivamente, mientras que las personas mediante su manipulación ofrecemos calidad sonora subjetivamente. Explicado de una forma mas asimilable: la calidad de sonido de un buen instrumento, la ofrece el instrumento en sí mismo, y la calidad de hacerlo sonar bien ,(o mal) la persona que toca ese instrumento.

bate

¿algún elemento a tener en cuenta para comenzar con el tercer eslabón? Por supuesto, sonoridad vs cancelación, muchas técnicas (por no decir la mayoría)  usadas en los estudios de grabacion, están pensadas para obtener el mejor resultado en nuestro Home Studio, al trasportar esas técnicas a un estudio con cierta calidad de equipo, sufrimos de una sonoridad pobre y una gran cancelación de fase. Hoy en día podemos tener un estudio con los mejores equipos (aunque sean escasos), y tener una cadena de calidad igual que cualquier “gran estudio”, pero no sonamos como esos” grandes estudios”, por dos cuestiones simples: técnicas de grabación y mezcla.

Espero que os haya servido de buena ayuda, un saludo.

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Un velero llamado libertad – J.L. Perales

Análisis de la adaptación de la canción.

Bien podría ser mediados de los 80, y J.L.Perales estar por U.S.A. viendo estudios para su próximo trabajo, coincidiendo con Tom Werman o Desmond Child en la cantina de algún maravilloso estudio, dando lugar a un intercambio de impresiones musicales que bien podrían ser …

– me gusta ese rollo Hard-Rock con tintes de Glam, me gustaría tener algo de ese estilo, pero en todos los intentos he conseguido que suenen mis canciones Punk, o Rock Urbano/Nacional como mucho.

– no te preocupes, la música es siempre música,  envíame una canción y veré que puedo hacer.

– ok, te enviare una que he intentado empezarla cañera, con guitarras, bombos a negras y bajos movidos. Estoy convencido que posee un lado salvaje, aunque no consigo verlo claramente…

El resto de la historia la podéis seguir aquí:

Original

Cover

Estructura

Una ligera adaptación y modificación de la velocidad, el solo de intro lo he usado como solo principal, con un pequeño desarrollo melódico (lo pedía a gritos y otro pequeño tributo), comenzamos con una presentación del riff, y seguimos con la estructura clásica de doble estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, solo, estribillo, fin. Es básicamente igual, solo he eliminado un estribillo repetido al final (es el mismo que el del principio), creia que seria suficiente con uno, al bajar el tempo de la canción se incrementa su duración.

Elementos

Juego clásico de guitarra y bajo, creación de un riff con la tónica predominante, creando sensaciones armónicas al mantener la nota (comenzamos con la tónica, seguimos con sexta mayor, cuarta, etc…), estas sensaciones armónicas se suman a la melodía, al mismo tiempo que el riff constituye la principal contestación a la melodía de voz.

El bajo es el encargado de hacer las notas de paso, dejando a la guitarra con las notas de repetición (pedal).

Unos elementos bastante visibles, simples y comunes en el mundo del rock, no necesitamos más para comenzar con la magia…..espero que os guste.

Nuevo proyecto de producción artística musical WHITE

Hola, después de este forzado parón, he retomado las inquietudes de la producción artística musical en un proyecto musical WHITE, creado con la intención de poder trasformar canciones conocidas y explicar en profundidad los cambios y sus consecuencias activas, pasivas y omisivas.

En el verano del 2013 comencé a trabajar en unas 30 canciones muy conocidas, tanto en español como en ingles, de distintos géneros no relacionados con el rock (la mayoría), donde mostrar ejemplos claros de producción musical.

En este primer trabajo, autodenominado SNAKE os muestro 6 canciones que iré subiendo poco a poco y analizándolas en temas dinámicos y estructurales. Todas ellas grabadas en mi casa, con mi viejo Mac y un Pro Tools 8.1.

  1. Un velero llamado libertad – Jose L. Perales.
  2. Por Ese Hombre – Dyango & Pimpinela
  3. Call Me – Blondie
  4. Fruta fresca – Carlos Vives
  5. Love is in the air – J.P. Young
  6. Más allá de Orion –

He buscado un sonido lo más natural posible, simplificado al máximo, buscando un APC de enorme calidad, siguiendo la nueva tendencia de cajas “naturales”, alejándonos del sonido sampleado, eléctrico y/u ochentero.

Lista de canales y equipo.

Bateria: 1 micro bombo (posteriormente sampleado), 1 micro caja sm57, 1 micro md421 para cada timbal (3 en total), 2 aéreos, condensador diafragma grande para aéreos y ambiente.

Bajo: mi apreciado y olvidado Fernandez Bxb, por linea, STT1 y UA1176.

Guitarras: amplificadores Conford y Messa, micro sm57, api512c+focusrite MKII 430

Voces y coros: STT1+UA1176

Mezclado en un Pro tools 8.1, y usando principalmente filtros y plugings gratuitos del programa.

Resumen Término APC

El término APC  (Amplitud, Profundidad y Claridad) nace de la abreviatura de los elementos responsables de una buena sonoridad y calidad en una mezcla de audio, nos recrean la sensación de tener al grupo “dentro del salón”, si falta cualquier de estos tres elementos la calidad y la sonoridad de como percibimos la música no será “natural”.

Cada elemento se compone de:

 Amplitud : Técnicas de grabación y mezcla, es un termino psicoacústico.

Profundidad : Reverberación, modificación del Sustain y Release de un sonido, es un termino psicoacústico.

Claridad: tratamiento por eq y dinámica al sonido, afecta al Ataque y Decay.

Claves, Errores y Soluciones para mejorar tu Música

portada libroDa igual la técnica de grabación que uses, no importa lo bueno que sea el estudio de grabación, un buen sonido no hace una buena canción, una buena canción es siempre una buena canción independientemente de la calidad del sonido. Factor Q Producciones S.L. presenta el primer libro publicado sobre producción artística musical, que trata de hacer sonar mejor tus canciones mediante técnicas musicales.

Compositores, músicos, técnicos de sonido y productores musicales.

Notas del autor: “Una breve y necesaria introducción a la producción artística musical, a muy grandes rasgos se puede resumir como un uso y razonamiento lógico del contrapunto y fuga aplicado a las canciones, con un lenguaje llano, de fácil asimilación y con el menor número posible de tecnicismos, apto para todos los niveles y estilos musicales”.

Indice General:

Introducción

Cap. 1º – Definicón de elementos: la obra o composición, grandes verdades, estructuras musicales, ambientación y elección de elementos, planos interpretativos, fuente rítmica y expresiva, contaminación acústica por asimilación y exclusión.

Cap. 2º – Herramientas musicales: herramientas musicales, contestaciones musicales, anunciantes rítmicas y melódicas, repetición melódica o RM, repetición melódica armónica o RMA.

Cap. 3º – Conceptos de mezcla, el término APC: planos sonoros en la mezcla, amplitud, profundidad y claridad.

Orientaciones generales

Cap. 4º – Tres roles distintos: el músico, el técnico de sonido, el productor artístico.

Cap. 5º – La batalla con los músicos habituales: batería, percusionista o similares, el bajista, el guitarrista, teclista y demás fuentes expresivas, el cantante o narrador de nuestra historia.

Cap. 6º – Nuestros primeros pasos: comenzar una producción artística, la autoproducción, la maquetación de ideas, grabación de ideas, la producción artística a terceros, primero ¿Que?, segundo ¿Cómo?

Ejemplos sonoros

Cap. 7º – Producción artística global: ejemplos sonoros, desarrollo y partes significativas, desarrollo final e instrumental y pisas grabadas. Cinco canciones de ejemplo.

Cap. 8º – Ejemplo de estructuración: una cancion de ejemplo.

Cap. 9º – Contestaciones entre planos sonoros: introducción, riff A, riff B.

Formato del libro: A5, 164 páginas. Incluye un CD audio con 73 minutos aproximadamente de ejemplos sonoros con 50 pistas de audio. ISBN-978-84-940356-0-9.

Pidelo en tu libreria favorita o a nosotros por correo electronico, 20€ gastos de envio incluido.

Tutorial online, información editorial, conferencias y contratacion de servicios de producción artistica: doctor@factorq.com

Volumen Vs Sonoridad (2ª Parte)

Ejemplos Sonoros

Para concluir con la diferencia entre Volumen y Sonoridad, he escogido una canción de Carlos Vudú, uno de mis artísticas favoritos, y una de esas canciones que “enamoran” nada más oirlas.

Esta canción junto con otras dos las grabamos por 2007, una tarde para grabarlas y otra para mezclarlas, la siguiente grabación se realizo en otro estudio profesional, creo que por el 2009 cuando ya era Carlos Vudú y el Clan Jukebox. La canción Lluvia de Octubre es una buena candidata al estar grabadas con los dos conceptos, y siendo más o menos la misma canción. Creo que esta canción como mínimo se merece ser compartida por su calidad y su calidez.

Muestra de la Introducción:
Versión 1ª : menor volumen y mas sonoridad.
Versión 2º: mayor volumen y menos sonoridad.

Muestra de Subida/Climax:
Versión 1ª : la sonoridad de la canción crece con su climax .
Versión 2º: la sonoridad de la canción se mantiene estable.

Os dejo un enlace youtube con un pequeño video donde he puesto todas las muestras y la canción, os recomiendo descargar las muestras para que podais ver y experimentar con vuestro procesador de sonido.

Volumen Vs Sonoridad (1ª Parte)

La percepción del Volumen, Intensidad y Sonoridad,es una de las primeras lecciones  de un buen libro de sonido, una de las primeras asimiladas por su facilidad de comprension y a su vez, una de las primeras en “no” tener presente y “no” sacar el máximo rendimiento en una grabación o mezcla.

Una definición sobre estos términos (cortesía de wikipedia):

El volumen es la percepción subjetiva que el ser humano tiene de la potencia de un determinado sonido. La Intensidad del sonido se define como la cantidad de energía (potencia acústica) que atraviesa por segundo una superficie (a mayor potencia mayor volumen). Sin embargo, no hay que confundir volumen con Sonoridad, que es la percepción subjetiva de la intensidad.

¿Podemos explicarlo y entenderlo de otra forma?

 La Sovolumen Anoridad está íntimamente ligada con el concepto de Calidad que tenemos de una grabación o instrumento musical.

Si comparamos dos sonidos iguales al mismo volumen, aquel que tenga una mayor riqueza armónica, nos ofrecerá la sensación subjetiva de mayor profundidad, amplitud y volumen. Es la principal diferencia entre un instrumento bueno o malo: no tiene por qué sonar más fuerte una guitarra que otra, pero la sensación psicoacústica puede ser distinta, dependiendo de su riqueza armónica.

Por poner un ejemplo:una guitarra Marca Gibson, al compararla en (términos de sonido) con una imitación “barata”, tendremos al mismo volumen una sensación distinta de su “profundidad, amplitud y volumen”, el mismo caso se puede traspasar a un amplificador, batería, previo, disco, etc…

Las técnicas para crear una mayor sonoridad (aparte de la calidad de nuestra cadena de grabación), es la forma de grabar los instrumentos, y en menor medida de mezclarlos. La mezcla en sí misma, proporciona sonoridad en general, pero siempre limitada a la sonoridad en particular de los instrumentos, si están grabados con una sonoridad pobre, pocos milagros se pueden hacer.

Por desgracia, los últimos grandes avances sobre sonoridad, se realizaron en la década de los 60 con el famoso “Muro Sonico” de Phil Spector en un intento de aplicar la sonoridad de una orquesta a un grupo de Pop Rock.Desde entonces las técnicas han mejorado muy poco, o mejor dicho, se ha avanzado en esta dirección, que al fin y al cabo, es el que nos dará un sonido natural, agradable y rico. Nos ha preocupado mas la monocompatibilidad  y la relación de fases de distintas fuentes sonoras, siendo pocos los caminos que se alejan de esta dirección.