La Cadena de Grabación

Hola, os quiero comentar en que consiste el termino “cadena de grabación” y que elementos influyen en ella. Ultimamente he mezclado algunos temas grabados en estudios con equipo “Pro” ( presuponiendo una buena cadena de grabación ) y las pistas que he tenido que mezclar ,sugerían otros términos alejados del “Pro”.Las cadenas parecían de almas de la noche….

prueba2Llamamos cadena de audio a todos los procesos, etapas y caminos que trascurren en la señal de audio desde su origen, hasta su grabación. El origen ,es una emisión sonora mediante un instrumento, amplificador o voz, seguido de la captación mediante micrófonos, cables, previos, ecualizadores, compresores, convertidores AD, etc… y finalmente el soporte de grabación, ya sea digital o analógico.

La calidad de esta cadena, está ligada a los elementos o eslabones por los que pasa la señal de sonido. Como en toda cadena, su fuerza está representada por el eslabón más débil, siendo predominante sobre el más fuerte. Por ejemplo, si disponemos de un micrófono de gran calidad conectado a un previo de baja calidad, predomina la “calidad” del elemento más débil.

Ser consciente de la calidad de nuestra cadena de grabación  y que ésta sea lo más homogénea posible, es una  importante pauta a seguir, además de ser un buen consejo. Tener eslabones de gran calidad, mezclados con otros de dudosa calidad, es una forma poco práctica de sacarle partido sonoro y musical a nuestro equipo.

Un dato negativo a tener en cuenta en el orden de los eslabones que forman la calidad total de nuestro trabajo de grabación, es la falta de los tres primeros: 1º la música/canción,2º la interpretación y 3º las técnicas de grabación sonora.

guitarra tocando

Sobre la canción y la interpretación ya he escrito y desarrollado el tema en mi libro “Claves, Errores y Soluciones para mejorar nuestra Música”, entiendo que estos dos eslabones, (aunque importantes en la cadena) están un poco apartados de la calidad de los equipos, y cercanos a la calidad “humana”, una buena canción y una buena interpretación harán nuestra cadena mucho más fuerte en su inicio.

El tercer eslabón siempre debería ser el primero en nuestro estudio, el acierto en la eleccion de las técnicas de grabación sonora puede representar un eslabón sólido, normal o débil. La inclusión de este eslabón antes de los demás, en nuestro estudio, es debido a que tenemos que tenerla prevista antes de comenzar, aunque la técnica de grabación inicial y básica es la colocación de un micrófono para la captación sonora, veremos a través de” futuros tutoriales “,que la elección de la técnica de grabación tiene un peso mucho mayor que el resto de elementos.

Seguirán grabándose y editándose, discos grabados con una buena cadena de grabación, transmitiéndonos sonoridades “pobres”, por malas elecciones en las técnicas de grabación. Si un instrumento no suena “grande” en su origen, sera “misión imposible” hacerlo “grande”…..de donde no hay no se puede sacar.

Resumiendo:el concepto “técnicas de grabación” , son las técnicas “humanas” de cómo sacarle partido a todo el equipo del que disponemos,(no me atrevería a  decir ningún porcentaje). Según mi experiencia para un buen trabajo ,tenemos que tener este eslabón fuerte (saber que hacemos) y el resto también (el equipo con el que trabajamos).

Un buen equipo en malas manos, es igual que unas buenas manos con mal equipo (seguimos con eslabones débiles en nuestra cadena). La calidad del sonido y la calidad del técnico de sonido, no se cubren ni se solapan, se necesitan mutuamente, uno para dar “calidad de sonido” y otro para ofrecer “calidad musical”.

La diferencia entre “calidad de sonido”  y “calidad musical“es simple: los equipos ofrecen calidad de sonido objetivamente, mientras que las personas mediante su manipulación ofrecemos calidad sonora subjetivamente. Explicado de una forma mas asimilable: la calidad de sonido de un buen instrumento, la ofrece el instrumento en sí mismo, y la calidad de hacerlo sonar bien ,(o mal) la persona que toca ese instrumento.

bate

¿algún elemento a tener en cuenta para comenzar con el tercer eslabón? Por supuesto, sonoridad vs cancelación, muchas técnicas (por no decir la mayoría)  usadas en los estudios de grabacion, están pensadas para obtener el mejor resultado en nuestro Home Studio, al trasportar esas técnicas a un estudio con cierta calidad de equipo, sufrimos de una sonoridad pobre y una gran cancelación de fase. Hoy en día podemos tener un estudio con los mejores equipos (aunque sean escasos), y tener una cadena de calidad igual que cualquier “gran estudio”, pero no sonamos como esos” grandes estudios”, por dos cuestiones simples: técnicas de grabación y mezcla.

Espero que os haya servido de buena ayuda, un saludo.

Un velero llamado libertad – J.L. Perales

Análisis de la adaptación de la canción.

Bien podría ser mediados de los 80, y J.L.Perales estar por U.S.A. viendo estudios para su próximo trabajo, coincidiendo con Tom Werman o Desmond Child en la cantina de algún maravilloso estudio, dando lugar a un intercambio de impresiones musicales que bien podrían ser …

– me gusta ese rollo Hard-Rock con tintes de Glam, me gustaría tener algo de ese estilo, pero en todos los intentos he conseguido que suenen mis canciones Punk, o Rock Urbano/Nacional como mucho.

– no te preocupes, la música es siempre música,  envíame una canción y veré que puedo hacer.

– ok, te enviare una que he intentado empezarla cañera, con guitarras, bombos a negras y bajos movidos. Estoy convencido que posee un lado salvaje, aunque no consigo verlo claramente…

El resto de la historia la podéis seguir aquí:

Original

Cover

Estructura

Una ligera adaptación y modificación de la velocidad, el solo de intro lo he usado como solo principal, con un pequeño desarrollo melódico (lo pedía a gritos y otro pequeño tributo), comenzamos con una presentación del riff, y seguimos con la estructura clásica de doble estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, solo, estribillo, fin. Es básicamente igual, solo he eliminado un estribillo repetido al final (es el mismo que el del principio), creia que seria suficiente con uno, al bajar el tempo de la canción se incrementa su duración.

Elementos

Juego clásico de guitarra y bajo, creación de un riff con la tónica predominante, creando sensaciones armónicas al mantener la nota (comenzamos con la tónica, seguimos con sexta mayor, cuarta, etc…), estas sensaciones armónicas se suman a la melodía, al mismo tiempo que el riff constituye la principal contestación a la melodía de voz.

El bajo es el encargado de hacer las notas de paso, dejando a la guitarra con las notas de repetición (pedal).

Unos elementos bastante visibles, simples y comunes en el mundo del rock, no necesitamos más para comenzar con la magia…..espero que os guste.

Nuevo proyecto de producción artística musical WHITE

Hola, después de este forzado parón, he retomado las inquietudes de la producción artística musical en un proyecto musical WHITE, creado con la intención de poder trasformar canciones conocidas y explicar en profundidad los cambios y sus consecuencias activas, pasivas y omisivas.

En el verano del 2013 comencé a trabajar en unas 30 canciones muy conocidas, tanto en español como en ingles, de distintos géneros no relacionados con el rock (la mayoría), donde mostrar ejemplos claros de producción musical.

En este primer trabajo, autodenominado SNAKE os muestro 6 canciones que iré subiendo poco a poco y analizándolas en temas dinámicos y estructurales. Todas ellas grabadas en mi casa, con mi viejo Mac y un Pro Tools 8.1.

  1. Un velero llamado libertad – Jose L. Perales.
  2. Por Ese Hombre – Dyango & Pimpinela
  3. Call Me – Blondie
  4. Fruta fresca – Carlos Vives
  5. Love is in the air – J.P. Young
  6. Más allá de Orion –

He buscado un sonido lo más natural posible, simplificado al máximo, buscando un APC de enorme calidad, siguiendo la nueva tendencia de cajas “naturales”, alejándonos del sonido sampleado, eléctrico y/u ochentero.

Lista de canales y equipo.

Bateria: 1 micro bombo (posteriormente sampleado), 1 micro caja sm57, 1 micro md421 para cada timbal (3 en total), 2 aéreos, condensador diafragma grande para aéreos y ambiente.

Bajo: mi apreciado y olvidado Fernandez Bxb, por linea, STT1 y UA1176.

Guitarras: amplificadores Conford y Messa, micro sm57, api512c+focusrite MKII 430

Voces y coros: STT1+UA1176

Mezclado en un Pro tools 8.1, y usando principalmente filtros y plugings gratuitos del programa.

Mi evolución y compresión en el sonido. (1ª Parte)

Una serie de trabajos representativos de las aplicaciones y conceptos de las mezclas de sonido, como bien dice un gran amigo “un grupo Top, no se hace en un día”, y el desarrollo auditivo tampoco.

vonludolmp3[1]Von Ludol – 2006

Allá por el 2006, después de mucho leer y realizar practicas en mi home estudio durante muchos años, llegé a entender y poner en práctica la técnica de mezcla de frecuencias, consistente en distribuir las frecuencias sonoras entre los instrumentos, el resultado fue un disco con sonido nítido, pero aún alejado del término APC.1.1 La mezcla de las canciones es buena, casi no tuve tiempo de realizar una producción artísticas en este dísco, que fue el que me abrió el camino sonoro a todo lo que vendría después. MUESTRA

carlos vudúCarlos Vudú – 2007

Por esta etapa descubrí todo el potencial de la compresión en paralelo (en la grabación), en una tarde grabamos tres canciones, usando sonidos “pobres” y mezclandolos creando una gran sonoridad. Mis primeros pasos en reconstrucción del ADSR de un instrumento mezclando fuentes sonoras distintas. Respetando y aumentando la personalidad del artísta, a causa de la buena dinámica obtenia y consiguiendo un sonido “Top”, aún así me las tendría que ver con grupos más “ruidosos” en los que dispondría de menos espacio para situar los instrumentos y las técnicas de grabación en paralelo no seria tan efectiva. MUESTRA

Maleek – 2008maleek - httpwww.guitarristas.inforeportajesmaleek-reportaje-entrevista1417

Una banda de metal afinada en la tonalidad de Si, todo un reto sacar un sonido rico y amplio, al mismo tiempo que dotar de una personalidad propia al grupo, un trabajo “difícil”, la distribución de frecuencias y los instrumentos están en su sitio, algo simple y complicado por la relación entre el bajo, el bombo y las guitarras en las bajas frecuencias. MUESTRAmesa1

Tominoker – 2009tominoker

En este trabajo pude poner en practica todas las técnicas de grabación y mezcla perfeccionadas con los años, un disco “sencillo”, sin instrumentos doblados ni ninguna otra técnica para aportar sonoridad: batería, bajo, guitarra (grabada de una pasada y en una pista), teclado (en mono), voz y coros. ¿Como conseguir con estas pistas una gran sonoridad?, este disco, guste más o menos, la amplitud sonora es total, mediante técnicas de grabación enfocadas a la sonoridad y una mezcla que aumente esa sensación, creo que es un ejemplo de como hacer a un grupo “grande” en su sonido. MUESTRA

Resumen Término APC

El término APC  (Amplitud, Profundidad y Claridad) nace de la abreviatura de los elementos responsables de una buena sonoridad y calidad en una mezcla de audio, nos recrean la sensación de tener al grupo “dentro del salón”, si falta cualquier de estos tres elementos la calidad y la sonoridad de como percibimos la música no será “natural”.

Cada elemento se compone de:

 Amplitud : Técnicas de grabación y mezcla, es un termino psicoacústico.

Profundidad : Reverberación, modificación del Sustain y Release de un sonido, es un termino psicoacústico.

Claridad: tratamiento por eq y dinámica al sonido, afecta al Ataque y Decay.

Claves, Errores y Soluciones para mejorar tu Música

portada libroDa igual la técnica de grabación que uses, no importa lo bueno que sea el estudio de grabación, un buen sonido no hace una buena canción, una buena canción es siempre una buena canción independientemente de la calidad del sonido. Factor Q Producciones S.L. presenta el primer libro publicado sobre producción artística musical, que trata de hacer sonar mejor tus canciones mediante técnicas musicales.

Compositores, músicos, técnicos de sonido y productores musicales.

Notas del autor: “Una breve y necesaria introducción a la producción artística musical, a muy grandes rasgos se puede resumir como un uso y razonamiento lógico del contrapunto y fuga aplicado a las canciones, con un lenguaje llano, de fácil asimilación y con el menor número posible de tecnicismos, apto para todos los niveles y estilos musicales”.

Indice General:

Introducción

Cap. 1º – Definicón de elementos: la obra o composición, grandes verdades, estructuras musicales, ambientación y elección de elementos, planos interpretativos, fuente rítmica y expresiva, contaminación acústica por asimilación y exclusión.

Cap. 2º – Herramientas musicales: herramientas musicales, contestaciones musicales, anunciantes rítmicas y melódicas, repetición melódica o RM, repetición melódica armónica o RMA.

Cap. 3º – Conceptos de mezcla, el término APC: planos sonoros en la mezcla, amplitud, profundidad y claridad.

Orientaciones generales

Cap. 4º – Tres roles distintos: el músico, el técnico de sonido, el productor artístico.

Cap. 5º – La batalla con los músicos habituales: batería, percusionista o similares, el bajista, el guitarrista, teclista y demás fuentes expresivas, el cantante o narrador de nuestra historia.

Cap. 6º – Nuestros primeros pasos: comenzar una producción artística, la autoproducción, la maquetación de ideas, grabación de ideas, la producción artística a terceros, primero ¿Que?, segundo ¿Cómo?

Ejemplos sonoros

Cap. 7º – Producción artística global: ejemplos sonoros, desarrollo y partes significativas, desarrollo final e instrumental y pisas grabadas. Cinco canciones de ejemplo.

Cap. 8º – Ejemplo de estructuración: una cancion de ejemplo.

Cap. 9º – Contestaciones entre planos sonoros: introducción, riff A, riff B.

Formato del libro: A5, 164 páginas. Incluye un CD audio con 73 minutos aproximadamente de ejemplos sonoros con 50 pistas de audio. ISBN-978-84-940356-0-9.

Pidelo en tu libreria favorita o a nosotros por correo electronico, 20€ gastos de envio incluido.

Tutorial online, información editorial, conferencias y contratacion de servicios de producción artistica: doctor@factorq.com

Un poco sobre mí

Antonio J. Sánchez Escriban Desde muy niño siempre he sentido afinidad y he tenido facilidad para la música, era de esos niños que siempre estaba inventando melodías y canciones, incluso escribiendolas en partitura.

 
Cruce la etapa de la adolescencia dentro de la enseñanza de música clásica, y el instrumento que me acompañó durante bastante tiempo fue el saxo tenor, aunque con 15 años ya asistia a ensayos de grupos de rock de la zona y soñaba con crear mi propio grupo.

A los 17 años me pude comprar mi primer bajo electrico, un instrumento que lo siento como una extensión, es el único que no me resulta molesto invertir y compartir horas, semanas, meses y años… Tambien he flirteado con otros instrumentos, incluso he cambiado el bajo electrico por la guitarra en algún grupo, cantado y he realizado coros (reconozco que no he nacido con el Dón de la voz).

Al mismo tiempo que iniciaba mi andadura musical, por necesidad comence con el mundo del sonido, eran tiempos muy dificiles, la información no estaba disponible, no existia ni internet, ni ningun medio de acceso rapido a la información, los equipos eran carísimos, y los estudios de grabación un lujo, me acuerdo de mi primera maqueta, a principios de los noventa al lujoso precio de 45€ la hora (7,500 pts). Y gracias a esa grabación despertó mi inquietud por el mundo del sonido.

Pasados los años, con una buena base musical, y algo de tecnico de sonido me llamo profundamente la antencion el “¿Por qué?” de la música y su sonido; ¿por qué esta canción es buena y esta nó?, ¿por qué esta suena bien y esta otra no?, etc.. con los consiguientes años de investigación y conclusiones sobre los respectivos temas musicales.

Con el paso de los años, he podido perfeccionar la metodología sobre la producción artísticas musical y la sonoridad en las grabaciones y mezclas. Sintetizando y razonando los principios musicales, los cuales no han variado practicamente desde sus inicios, y aplicandolos a la música de hoy en día, las llamadas “formulas” suelen ser elementos sesgados de una verdad “superior”.

En cuanto al mundo del sonido, la percepción de estancamiento y poco desarrollo de sus términos, han ocupado una gran parte de mi tiempo últimante. He realizado grandes progresos, razonado y aplicado las mismas bases de forma entendible, lógica. El misticismo y la alquímia del sonido no existe, todo tiene su explicación, existen personas con una gran afinidad auditiva capaces de realizar grandes trabajos por instinto, pero no nos engañemos, son casos aislados y excepcionales, si no asimilamos los conocimientos y entrenamos nuestro odio, siempre estaremos sordos en este complejo mundo de ondas musicales.

Despues de estar tanto tiempo ayudando a los grupos a desarrollar su personalidad creativa, eliminando las barreras de ejecución y composición, nacio mi primer el libro, el único hasta la fecha que trata la complejidad de la producción artísticas musical, un trabajo en su grueso realizado antes de la grabación.

En la actualidad estoy inmerso en otros dos libros, uno sobre tecnicas de grabación, con todos los recursos y razonamientos para enriquecer las grabaciones, aun no tratados en ningun libro de sonido (los tengo casi todos), y otro sobre mezcla a nivel avanzado, con una exposición totalmente nueva de enfocar las mezclas y empleo de distintos recursos, no seran faciles de asimilar pero creo que os merecera la pena.

¿Seremos capazes de encontrar el grano entre tanta paja?

Volumen Vs Sonoridad (2ª Parte)

Ejemplos Sonoros

Para concluir con la diferencia entre Volumen y Sonoridad, he escogido una canción de Carlos Vudú, uno de mis artísticas favoritos, y una de esas canciones que “enamoran” nada más oirlas.

Esta canción junto con otras dos las grabamos por 2007, una tarde para grabarlas y otra para mezclarlas, la siguiente grabación se realizo en otro estudio profesional, creo que por el 2009 cuando ya era Carlos Vudú y el Clan Jukebox. La canción Lluvia de Octubre es una buena candidata al estar grabadas con los dos conceptos, y siendo más o menos la misma canción. Creo que esta canción como mínimo se merece ser compartida por su calidad y su calidez.

Muestra de la Introducción:
Versión 1ª : menor volumen y mas sonoridad.
Versión 2º: mayor volumen y menos sonoridad.

Muestra de Subida/Climax:
Versión 1ª : la sonoridad de la canción crece con su climax .
Versión 2º: la sonoridad de la canción se mantiene estable.

Os dejo un enlace youtube con un pequeño video donde he puesto todas las muestras y la canción, os recomiendo descargar las muestras para que podais ver y experimentar con vuestro procesador de sonido.

Volumen Vs Sonoridad (1ª Parte)

La percepción del Volumen, Intensidad y Sonoridad,es una de las primeras lecciones  de un buen libro de sonido, una de las primeras asimiladas por su facilidad de comprension y a su vez, una de las primeras en “no” tener presente y “no” sacar el máximo rendimiento en una grabación o mezcla.

Una definición sobre estos términos (cortesía de wikipedia):

El volumen es la percepción subjetiva que el ser humano tiene de la potencia de un determinado sonido. La Intensidad del sonido se define como la cantidad de energía (potencia acústica) que atraviesa por segundo una superficie (a mayor potencia mayor volumen). Sin embargo, no hay que confundir volumen con Sonoridad, que es la percepción subjetiva de la intensidad.

¿Podemos explicarlo y entenderlo de otra forma?

 La Sovolumen Anoridad está íntimamente ligada con el concepto de Calidad que tenemos de una grabación o instrumento musical.

Si comparamos dos sonidos iguales al mismo volumen, aquel que tenga una mayor riqueza armónica, nos ofrecerá la sensación subjetiva de mayor profundidad, amplitud y volumen. Es la principal diferencia entre un instrumento bueno o malo: no tiene por qué sonar más fuerte una guitarra que otra, pero la sensación psicoacústica puede ser distinta, dependiendo de su riqueza armónica.

Por poner un ejemplo:una guitarra Marca Gibson, al compararla en (términos de sonido) con una imitación “barata”, tendremos al mismo volumen una sensación distinta de su “profundidad, amplitud y volumen”, el mismo caso se puede traspasar a un amplificador, batería, previo, disco, etc…

Las técnicas para crear una mayor sonoridad (aparte de la calidad de nuestra cadena de grabación), es la forma de grabar los instrumentos, y en menor medida de mezclarlos. La mezcla en sí misma, proporciona sonoridad en general, pero siempre limitada a la sonoridad en particular de los instrumentos, si están grabados con una sonoridad pobre, pocos milagros se pueden hacer.

Por desgracia, los últimos grandes avances sobre sonoridad, se realizaron en la década de los 60 con el famoso “Muro Sonico” de Phil Spector en un intento de aplicar la sonoridad de una orquesta a un grupo de Pop Rock.Desde entonces las técnicas han mejorado muy poco, o mejor dicho, se ha avanzado en esta dirección, que al fin y al cabo, es el que nos dará un sonido natural, agradable y rico. Nos ha preocupado mas la monocompatibilidad  y la relación de fases de distintas fuentes sonoras, siendo pocos los caminos que se alejan de esta dirección.

Productor Musical VS Técnico de Sonido

Por qué necesitamos estudiar música además de sonido.

¿Por qué necesitamos estudiar música además de sonido si queremos ser un buen productor?.

En estos últimos años, gracias a las campañas de marketing de distintos productos relacionados con el sonido, hemos cambiado la denominanión del técnico de sonido, por productor, es fácil encontrar cualquier comentario tipo “llevo 4 años producciendo…..”, en vez de “llevo 4 años mezclando”,y últimamente están sustituyendo en nombre y no en trabajo a la idea de producción clásica, relacionada con la música, entiendo que tiene mayor relevancia decir “soy productor musical” que “soy técnico de sonido”, el trabajo del técnico está claro, el de productor al ser algo tan “exótico” y poco definido, puede dar la sensación de ser algo más grande e importante, cuando las dos figuras siempre han tenido que ir muy cogidas de la mano, cada figura es relevante en su cometido y los dos son vitales para el buen puerto de un trabajo.

En el mundo del sonido, creo que ya esta aceptada esta terminología nueva o suplantación de identidad, ahora no se estudia sonido, se estudia “Producción”, sin tener mayor incidencia que un cambio de nombre.

En cambio en el mundo de los músicos, este concepto no esta asimilado, y cuando piensan en un productor para sus canciones no piensan concretamente en “su sonido”, el gremio de músicos está un poco confuso, ellos buscan a un productor para llevar a buen puerto sus canciónes y sus inquietudes artísticas, alguien que pueda sacar el máximo problecho de su potencial artístico/musical, como comente en el libro “Claves, Errores y Soluciones para mejorar tu Música”, el sonido es algo secundario en una producción artística musical, lo importante es la música, y la encargada de trasmitir las emociones es ella mediante el sonido, una vez pasada esta primera etapa es donde comienza a tener relevancia casi absoluta el sonido, a la hora de grabar y reproducir esa obra artística.

Podría citar a varios productores como Quincy Jones, Desmond Child, etc… con una simple búsqueda en la wikipedia podemos observar sus trabajos y trayectorias, veremos que se habla de su labor como músicos y compositores, y no como técnico de sonido (lo cual no implica que sepan), en la llamada Cadena de Calidad de una Grabación, el eslabón más debil tiene mayor relevancia que el más fuerte, y realiza una función de “techo” y límite de calidad, normalmente comenzamos nuestra cadena por el amplificador/instrumento, micrófono, cables, previos, etc… primer error, el primer eslabón es la música/canción, y el siguiente los músicos. Si estamos interesados en ser un productor (artístico) y comenzar por el primer eslabón de la cadena de calidad, tendremos que orientar en primer lugar nuestro aprendizaje al mundo de la música, después podemos enriquecernos con conocimientos de sonido, el saber no ocupa lugar, solo tiempo.

Como anécdota personal, mi primera confusión de términos fue gracias a un grupo relativamente bien conocido por esta zona que se fue a grabar un disco con un “productor” de Madrid, del cual quedaron muy descontentos por el resultado. No entendía bien los motivos del desencanto, el grupo ensayaba justo al lado de mi oficina y las canciones ya las tenia “aprendidas”, en el disco están igual y las interpretaban de igual forma, estuve unos días pensando sobre este tema, como puede ser que estés en desacuerdo en algo que has creado tu mismo, hasta que me dí cuenta que esa “producción” fue en realidad un trabajo de grabación y de mezcla, la inmensa mayoría de grupos amateur cree que un productor es el graba, mezcla y sugiere cambios en el estudio, cuando en realidad tiene otro cometido.